Laura Durkay
Essas estatísticas revelam um ciclo autoperpetuante de desigualdade de elenco. Menos papéis para mulheres significam menos chances de as atrizes se tornarem famosas – ou seja, se tornar o tipo de estrela de cinema que os estúdios consideram adequado para filmes de grande orçamento. Quando os executivos dos estúdios reclamam que não há estrelas femininas “bancáveis” suficientes para justificar mais papéis principais para as mulheres, eles estão reclamando de um problema de sua própria criação.
Os executivos dos estúdios gostam de justificar a falta de mulheres na tela argumentando que filmes com protagonistas femininas não são lucrativos. Os números das bilheterias dizem o contrário. Vários estudos de bilheteria mostraram que, depois de controlar o orçamento, filmes com protagonistas femininas e filmes com elencos racialmente diversos se saem melhor nas bilheterias, tanto nos Estados Unidos quanto no mundo.
Um estudo recente da plataforma de financiamento de filmes Slated também mostrou que filmes com uma mulher em uma posição criativa importante (roteirista, diretora, produtora ou atriz principal) geram um retorno médio mais alto sobre o investimento — em parte devido ao fato de filmes dirigidos por mulheres serem capazes de um bom desempenho apesar dos orçamentos mais baixos.
Então, mesmo pela lógica capitalista, um verão cheio de filmes protagonizados por caras brancos chamados Chris não faz muito sentido. No entanto, as listas de filmes de estúdio ainda são impulsionadas por uma vaga percepção do que é “comercializável”, em vez de qualquer análise séria de quem compõe o público dos filmes e o que eles querem ver.
As estratégias para mudar essa dinâmica não são óbvias.
A proposta mais comum é aumentar o número de mulheres em funções-chave de produção e suítes executivas de estúdio.
Os números atuais são sombrios. Entre os 250 filmes de maior bilheteria de 2015, as mulheres representavam apenas 9% dos roteiristas, 11% dos diretores e 6% dos diretores de fotografia. Nos cem melhores filmes de 2013 e 2014, as mulheres representavam apenas 2% dos diretores. (Em comparação, as forças armadas dos EUA – dificilmente um bastião do pensamento progressista – têm cerca de 15% de mulheres.)
Embora os dados sejam escassos, mulheres e homens parecem frequentar a escola de cinema em números aproximadamente iguais. Mas em um setor em que pode levar décadas para construir uma carreira de sucesso, as mulheres são empurradas para segmentos de baixa remuneração da força de trabalho, afastadas das funções criativas mais cobiçadas ou excluídas completamente.
A direção de filmes, em particular, não é uma habilidade, mas uma coleção de habilidades: a capacidade de executar uma visão artística, comunicar-se com atores, trabalhar com tecnologia complexa, liderar uma grande equipe de pessoas e tomar decisões sobre como milhões de dólares são gastos. Em todas essas frentes, as mulheres ainda são vistas como menos competentes. As diretoras enfrentam uma batalha árdua por empregos e financiamento para seus próprios filmes, o que significa que fazem menos filmes ao longo de suas carreiras e têm menos espaço para erros. Se um filme fracassar, pode levar anos até que eles façam outro.
O sexismo explícito está longe de ser raro e, em um ambiente em que a maioria dos trabalhadores são contratados independentes e as decisões de contratação são altamente subjetivas, o preconceito é desenfreado.
As condições de trabalho de um filme não ajudam. A renda é imprevisível. Jornadas de doze horas e semanas de seis dias são consideradas normais, e os benefícios existentes dependem da adesão a sindicatos ainda organizados segundo um modelo artesanal ultrapassado. Essas condições colocam uma pressão especial sobre as mulheres que criam os filhos ou assumem outras tarefas de reprodução social. Esta é uma das razões (mas não a única razão) pela qual as mulheres estão um pouco melhor representadas na produção e edição – trabalhos que podem ser feitos em home office e em um horário mais flexível.
As chances são boas de que seu filme de ação favorito foi dirigido por um homem, mas montado por uma mulher. Claro, qualquer cineasta sabe que a edição é um papel criativo, e um bom editor é tão importante para a qualidade do filme quanto um bom diretor. Mas o diretor ainda é percebido como o autor do filme, e o montador é visto como alguém que organiza e facilita sua (e geralmente é sua) visão artística.
Fora da indústria, as estratégias para combater o racismo e o sexismo de Hollywood são muitas vezes orientadas para a política do consumidor – apoiar filmes dirigidos por mulheres no fim de semana de estreia; boicotar filmes considerados problemáticos de alguma forma. Embora a compra de um ingresso de cinema possa ter algum efeito na carreira de um cineasta individual, no momento em que um filme chega ao cinema, as decisões de contratação e pagamento já foram tomadas. O ativismo do consumidor tem, na melhor das hipóteses, um impacto limitado nas tendências do setor.
Embora várias organizações do setor tenham oferecido suas próprias soluções – desde programas de diversidade de televisão e estúdio até expandir modestamente a adesão à Academia de Artes e Ciências Cinematográficas – essas mudanças são uma gota no balde e têm pouco efeito sobre os cineastas em início de carreira.
Fora a expropriação das grandes empresas de mídia e a apropriação dos meios de produção cinematográfica – ideia à qual não me oponho – há uma série de reformas que poderiam funcionar perfeitamente bem dentro do capitalismo, se o poder social dentro e fora da indústria pudesse ser organizado para exigi-los.
Para citar alguns exemplos: Um sistema nacionalizado de financiamento das artes com ação afirmativa para grupos sub-representados. Um pequeno imposto sobre filmes acima de um determinado orçamento que vai para um fundo de produção para filmes de e sobre mulheres e pessoas de cor. Revisar e reestruturar os sindicatos do cinema de um modelo de artesanato excludente para uma estratégia de organização industrial, orientada para as bases, com ênfase na igualdade no local de trabalho. Encontrar maneiras de reduzir o custo exorbitante atual de exibir um filme nos cinemas, permitindo que mais filmes não financiados por megacorporações cheguem ao cinema.
Atualmente, não existe uma força social organizada capaz de pressionar a indústria cinematográfica ou o Estado para que essas coisas aconteçam. A organização de artistas nos Estados Unidos tende a coincidir com períodos de luta social generalizada, quando amplas camadas de pessoas veem o poder coletivo como uma estratégia vencedora.
Embora não possamos convocar uma onda de agitação social sob comando, sabemos que a luta de massas tende a gerar fermento artístico e trazer novas vozes à tona. Isso só pode ser uma coisa boa em nossa paisagem cultural atual. Temos tantas histórias para contar.
Republicado de Contested Hollywood: Race, Gender and Class in Tinsel Town.
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| New York, NY. Peter Cameron / Flickr |
De discussões de salários iguais a #OscarsSoWhite, o ano passado trouxe o sexismo e o racismo de Hollywood à consciência dominante. Atualmente, a ACLU está investigando estúdios de Hollywood por discriminação de gênero na contratação, e várias atrizes e diretores de alto nível falaram sobre tudo, desde pagamento a contratação e sexismo no set.
O racismo e o sexismo desenfreados na indústria cinematográfica freqüentemente atingem mais os trabalhadores comuns. Como os trabalhadores de muitas indústrias, os cineastas têm cada vez mais dificuldade em encontrar e manter empregos estáveis e sustentáveis. A tecnologia digital significa que é mais fácil fazer um filme agora do que em qualquer ponto da história da mídia. Mas é mais difícil do que nunca ganhar a vida na indústria cinematográfica.
Em Hollywood, como em muitos setores, a diferença salarial entre homens e mulheres persiste. Salário igual para atores que ganham milhões de dólares pode não parecer um problema muito relacionável para a maioria dos americanos. Mas a grande maioria das pessoas empregadas na indústria cinematográfica não é uma das estrelas da lista A - elas trabalham como artesãos tentando ganhar a vida em um campo altamente competitivo.
A crise financeira global, a consolidação contínua da mídia e a confiança dos estúdios em fazer menos filmes com orçamentos maiores, tudo isso pressionou os cineastas. Isso apenas amplificou as desigualdades existentes, tanto na tela quanto atrás da câmera.
Para piorar a situação, pode ser difícil encontrar trabalho, especialmente para trabalhadores que não são brancos nem masculinos. A diversidade na tela é frequentemente discutida em termos de seu efeito sobre o público do cinema: as ramificações psicológicas e sociais de ver - ou não ver - grupos de identidade específicos bem representados na tela. Mas para os cineastas, a representação é uma questão de emprego. Os atores não podem atuar em papéis que não existem.
O Centro para o Estudo das Mulheres na Televisão e no Cinema da Universidade Estadual de San Diego acompanha o emprego das mulheres na indústria cinematográfica, tanto na frente da câmera quanto atrás dela. O centro analisou os cem filmes de maior bilheteria de 2015 e descobriu que as mulheres representavam apenas um terço de todos os papéis de coadjuvante e apenas 22% dos protagonistas. E 2015 foi considerado um bom ano para as mulheres no cinema - em 2014, esse número era de apenas 12%.
A grande maioria dessas falas (76%) foi para mulheres brancas, com mulheres negras, latinas e asiáticas representando 13%, 4% e 3%, respectivamente – proporções que permaneceram basicamente inalteradas desde que o centro começou a acompanhar em 2002. As mulheres brancas também eram mais propensas do que as mulheres de cor a retratar um personagem principal em vez de um coadjuvante.
Essas estatísticas revelam um ciclo autoperpetuante de desigualdade de elenco. Menos papéis para mulheres significam menos chances de as atrizes se tornarem famosas – ou seja, se tornar o tipo de estrela de cinema que os estúdios consideram adequado para filmes de grande orçamento. Quando os executivos dos estúdios reclamam que não há estrelas femininas “bancáveis” suficientes para justificar mais papéis principais para as mulheres, eles estão reclamando de um problema de sua própria criação.
Os executivos dos estúdios gostam de justificar a falta de mulheres na tela argumentando que filmes com protagonistas femininas não são lucrativos. Os números das bilheterias dizem o contrário. Vários estudos de bilheteria mostraram que, depois de controlar o orçamento, filmes com protagonistas femininas e filmes com elencos racialmente diversos se saem melhor nas bilheterias, tanto nos Estados Unidos quanto no mundo.
Um estudo recente da plataforma de financiamento de filmes Slated também mostrou que filmes com uma mulher em uma posição criativa importante (roteirista, diretora, produtora ou atriz principal) geram um retorno médio mais alto sobre o investimento — em parte devido ao fato de filmes dirigidos por mulheres serem capazes de um bom desempenho apesar dos orçamentos mais baixos.
Então, mesmo pela lógica capitalista, um verão cheio de filmes protagonizados por caras brancos chamados Chris não faz muito sentido. No entanto, as listas de filmes de estúdio ainda são impulsionadas por uma vaga percepção do que é “comercializável”, em vez de qualquer análise séria de quem compõe o público dos filmes e o que eles querem ver.
As estratégias para mudar essa dinâmica não são óbvias.
A proposta mais comum é aumentar o número de mulheres em funções-chave de produção e suítes executivas de estúdio.
Os números atuais são sombrios. Entre os 250 filmes de maior bilheteria de 2015, as mulheres representavam apenas 9% dos roteiristas, 11% dos diretores e 6% dos diretores de fotografia. Nos cem melhores filmes de 2013 e 2014, as mulheres representavam apenas 2% dos diretores. (Em comparação, as forças armadas dos EUA – dificilmente um bastião do pensamento progressista – têm cerca de 15% de mulheres.)
Embora os dados sejam escassos, mulheres e homens parecem frequentar a escola de cinema em números aproximadamente iguais. Mas em um setor em que pode levar décadas para construir uma carreira de sucesso, as mulheres são empurradas para segmentos de baixa remuneração da força de trabalho, afastadas das funções criativas mais cobiçadas ou excluídas completamente.
A direção de filmes, em particular, não é uma habilidade, mas uma coleção de habilidades: a capacidade de executar uma visão artística, comunicar-se com atores, trabalhar com tecnologia complexa, liderar uma grande equipe de pessoas e tomar decisões sobre como milhões de dólares são gastos. Em todas essas frentes, as mulheres ainda são vistas como menos competentes. As diretoras enfrentam uma batalha árdua por empregos e financiamento para seus próprios filmes, o que significa que fazem menos filmes ao longo de suas carreiras e têm menos espaço para erros. Se um filme fracassar, pode levar anos até que eles façam outro.
O sexismo explícito está longe de ser raro e, em um ambiente em que a maioria dos trabalhadores são contratados independentes e as decisões de contratação são altamente subjetivas, o preconceito é desenfreado.
As condições de trabalho de um filme não ajudam. A renda é imprevisível. Jornadas de doze horas e semanas de seis dias são consideradas normais, e os benefícios existentes dependem da adesão a sindicatos ainda organizados segundo um modelo artesanal ultrapassado. Essas condições colocam uma pressão especial sobre as mulheres que criam os filhos ou assumem outras tarefas de reprodução social. Esta é uma das razões (mas não a única razão) pela qual as mulheres estão um pouco melhor representadas na produção e edição – trabalhos que podem ser feitos em home office e em um horário mais flexível.
As chances são boas de que seu filme de ação favorito foi dirigido por um homem, mas montado por uma mulher. Claro, qualquer cineasta sabe que a edição é um papel criativo, e um bom editor é tão importante para a qualidade do filme quanto um bom diretor. Mas o diretor ainda é percebido como o autor do filme, e o montador é visto como alguém que organiza e facilita sua (e geralmente é sua) visão artística.
Fora da indústria, as estratégias para combater o racismo e o sexismo de Hollywood são muitas vezes orientadas para a política do consumidor – apoiar filmes dirigidos por mulheres no fim de semana de estreia; boicotar filmes considerados problemáticos de alguma forma. Embora a compra de um ingresso de cinema possa ter algum efeito na carreira de um cineasta individual, no momento em que um filme chega ao cinema, as decisões de contratação e pagamento já foram tomadas. O ativismo do consumidor tem, na melhor das hipóteses, um impacto limitado nas tendências do setor.
Embora várias organizações do setor tenham oferecido suas próprias soluções – desde programas de diversidade de televisão e estúdio até expandir modestamente a adesão à Academia de Artes e Ciências Cinematográficas – essas mudanças são uma gota no balde e têm pouco efeito sobre os cineastas em início de carreira.
Fora a expropriação das grandes empresas de mídia e a apropriação dos meios de produção cinematográfica – ideia à qual não me oponho – há uma série de reformas que poderiam funcionar perfeitamente bem dentro do capitalismo, se o poder social dentro e fora da indústria pudesse ser organizado para exigi-los.
Para citar alguns exemplos: Um sistema nacionalizado de financiamento das artes com ação afirmativa para grupos sub-representados. Um pequeno imposto sobre filmes acima de um determinado orçamento que vai para um fundo de produção para filmes de e sobre mulheres e pessoas de cor. Revisar e reestruturar os sindicatos do cinema de um modelo de artesanato excludente para uma estratégia de organização industrial, orientada para as bases, com ênfase na igualdade no local de trabalho. Encontrar maneiras de reduzir o custo exorbitante atual de exibir um filme nos cinemas, permitindo que mais filmes não financiados por megacorporações cheguem ao cinema.
Atualmente, não existe uma força social organizada capaz de pressionar a indústria cinematográfica ou o Estado para que essas coisas aconteçam. A organização de artistas nos Estados Unidos tende a coincidir com períodos de luta social generalizada, quando amplas camadas de pessoas veem o poder coletivo como uma estratégia vencedora.
Embora não possamos convocar uma onda de agitação social sob comando, sabemos que a luta de massas tende a gerar fermento artístico e trazer novas vozes à tona. Isso só pode ser uma coisa boa em nossa paisagem cultural atual. Temos tantas histórias para contar.
Republicado de Contested Hollywood: Race, Gender and Class in Tinsel Town.
Sobre a autora
Laura Durkay
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