Asteroid City disca o "Wes Anderson" para 11, deixando um vazio emocional em seu rastro.
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Scarlett Johansson como Midge Campbell em Asteroid City. (Recursos de foco, 2023) |
A essa altura, você é um fã obstinado de Wes Anderson ou definitivamente não. Então, presumivelmente, isso decidirá se você verá seu novo filme, Asteroid City. Ele se tornou tão Wes Andersoniano ao longo dos anos que as pessoas que apenas gostaram de seus primeiros filmes como Rushmore (1998) e The Royal Tenenbaums (2001) caíram ofegando por alívio, incapazes de lidar com a crescente falta de ar de sua autoria.
Asteroid City, ironicamente, é sobre a vastidão do espaço e os grandes mistérios da vida e da morte, envolvendo os participantes de uma convenção de astronomia em uma pequena cidade do deserto americano que se torna o local de um pouso alienígena real. Mas a maneira de Anderson lidar com tópicos tão extensos é tornar tudo rígido, artificial e limitado ao palco. É possível que ele esteja tentando transmitir as limitações da experiência humana e a maneira como tendemos a viver presos em arranjos arquitetônicos rígidos semelhantes a dioramas e confinados a convenções sociais e hábitos mentais enfadonhos, não importa que coisas extraordinárias aconteçam conosco.
Mas acho que não. Ultimamente, especialmente, os filmes de Anderson - não importa quais sejam as premissas ou desenvolvimentos da trama - sempre usam histórias complexas e cenários teatrais. Parece que é porque ele gosta do efeito.
Este em particular apresenta uma convenção “Junior Stargazers and Space Cadets” em 1955 na remota cidade deserta de Asteroid City, onde uma cratera deixada pela suposta queda de um meteorito eras atrás é a principal atração turística. Um gerente de motel (Steve Carell, substituindo Bill Murray, que teve COVID) administra as únicas acomodações turísticas da cidade, uma série de cabines rudimentares para hóspedes. Há apenas um restaurante - uma lanchonete. Testes de bombas atômicas nas proximidades enviam nuvens de cogumelo ocasionais, o que explica a forte presença militar, liderada pelo general Grif Gibson (Jeffrey Wright).
Durante a convenção, um pequeno grupo de adolescentes inteligentes recebe prêmios por suas invenções relacionadas ao espaço, e seus pais e outros adultos estão presentes para testemunhar a cerimônia. Eles incluem o fotógrafo de guerra e viúvo Augie Steenbeck (Jason Schwartzman), a estrela de cinema e TV Midge Campbell (Scarlett Johansson), a professora June Douglas (Maya Hawke) e a astrônoma Dra. Hickenlooper (Tilda Swinton).
Depois, há um pouso alienígena real e um extraterrestre - uma criatura divertidamente alongada e animada de olhos arregalados, com Jeff Goldblum como o ator que o interpreta nos bastidores - que pousa na cratera. Este evento impressionante altera temporariamente a experiência de todos, até que as rotinas da vida familiar e profissional os dominem novamente.
Tudo isso é apresentado da maneira patenteada e extremamente estilizada de Anderson, é claro, com um esquema de cores atraente e bastante bonito, apresentando uma intensificação das cores do sudoeste, como turquesa e coral. As imagens mais memoráveis do filme são provavelmente as tomadas planas e frontais de Johansson como Midge, com cabelos negros como Elizabeth Taylor, maquiagem de olho de gato e lábios vermelhos, emoldurados na janela de sua cabine, conversando com Schwartzman como Augie, enquadrado de forma semelhante ao lado dela, enquanto eles conduzem um caso de amor inexpressivo entre "duas pessoas catastroficamente feridas". Johansson, em particular, parece ter encontrado a chave para entregar o diálogo semi-sedado de Anderson de forma eficaz, e ela credita a Schwartzman - um favorito de Anderson desde que ele estrelou em Rushmore - por ajudá-la a descobrir como fazê-lo.
O filme começa em preto e branco com a antiga proporção quadrada da Academia para transmitir uma imagem de TV dos anos 1950 com um narrador masculino tipicamente rígido e solene da época (Bryan Cranston) descrevendo uma peça histórica na televisão chamada Asteroid City. É de um notável dramaturgo americano chamado Conrad Earp (Edward Norton), que vemos trabalhando na peça. Então seus personagens começam a povoar o palco. A imagem se abre em cores widescreen enquanto assistimos à versão mais ao ar livre e realista dos eventos da peça, embora uma teatralidade básica permaneça na aparência pegajosa dos "cenários" e no estilo de atuação um tanto narcotizado de todos os atores. Mas a narrativa continua indo e voltando entre esses personagens, em cores, e os atores interpretando os personagens, e Earp trabalhando, em preto e branco.
Em entrevistas, Anderson fala sobre sua obsessão juvenil pelo diretor Elia Kazan, que é a inspiração para o desenfreado diretor machista da peça Asteroid City, Schubert Green (interpretado por Adrien Brody). Como tantas explicações para o que Anderson supostamente está fazendo em seus filmes, esta é um vazio, porque nenhum cineasta parecia menos inspirado por Kazan, que era membro do Grupo de Teatro e cofundador do Actors Studio, dedicado a um teatro de comentários sociais de esquerda, antes de vender sua alma citando nomes para o Comitê de Atividades Antiamericanas da Câmara. Como diretor, Kazan se especializou em emoção crua, injustiça social e a agonia da experiência americana em filmes como Gentleman's Agreement (1947), A Streetcar Named Desire (1951), On the Waterfront (1954), East of Eden (1955), e A Face in the Crowd (1957).
Em contraste, a abordagem de Anderson parece projetada para manter você a uma distância emocional, sem nenhuma, digamos, teoria política brechtiana ou qualquer outra teoria para justificar ou dar sentido a ela. Embora algumas pessoas achem este filme incrivelmente comovente, apesar de todos os esforços de Anderson à distância. O crítico do abutre Bilge Ebiri foi levado às lágrimas. E, para lhe fazer justiça, ele tem uma visão de todos os filmes de Anderson para dar conta de sua emoção:
Há um ponto para toda essa indulgência. Os dioramas obsessivamente construídos de Anderson exploram a necessidade humana de organizar, quantificar e controlar nossas vidas diante do inesperado e do incerto. O universo regimentado de Moonrise Kingdom é enviado para um declínio em espiral pela mania do amor jovem. O ambiente de caixa de doces Mitteleuropaïsch do The Grand Budapest Hotel é desfeito pelo mal crescente do autoritarismo. Os fascínios românticos e continentais de The French Dispatch são atingidos por protestos, injustiça e violência. Asteroid City pode ser a expressão mais pura dessa dinâmica porque é sobre o desconhecido em todas as suas formas. A morte, a busca por Deus, a criação da arte, a exuberância do amor, os mistérios do cosmos - na narrativa de Anderson, são todas facetas da mesma coisa.
Adoro filmes sobre "o desconhecido em todas as suas formas" e acho que o cinema é um meio incrivelmente adequado para contemplá-lo. Também adoro o formalismo cinematográfico, com usos altamente inventivos e chamativos da cinematografia, mise-en-scène, edição e som. Isso deveria significar que eu amo Wes Anderson. Mas seu cinema nos últimos anos me perdeu completamente. Minha reação aos filmes de Anderson, como The Grand Budapest Hotel e The French Dispatch, é de raiva espumante. Asteroid City criou o mesmo efeito.
No final de Asteroid City, os créditos tocam a música "Freight Train", com seu ritmo otimista, sotaque sulista brilhante e letras sombrias: "When I’m dead and in my grave / No more good times here I crave / Place the stones at my head and feet / And tell them all I’ve gone to sleep." É claramente destinado a refletir a combinação do filme de cenário de deserto ensolarado e convenção juvenil de cadetes espaciais com nuvens atômicas de desgraça pairando sobre eles - que, por extensão, evocam nosso atual estado de perdição e negação.
Então, no meio dessa música culminante, um papa-léguas toscamente animado aparece na parte inferior da tela e faz uma dança que dura até a imagem final. Difícil explicar por que é tão irritante e tem um efeito tão grande de foda-se seus perdedores. Esse nerd do subúrbio do Texas acha que está isento da condição humana só porque agora mora na Europa e sai com a elite cultural e usa ternos sob medida?
Falando de seus ternos, um amigo meu disse que Wes Anderson parecia alguém que, quando criança, era vestido por seus pais em um terno listrado em miniatura, usado por cavalheiros sulistas ressecados, só para ver o quão precioso ele ficaria. Então ele nunca mais parou de usá-lo, mandando fazer ternos de anágua cada vez maiores, até que desenvolveu uma espécie de terno de anágua da alma. Seus filmes, mesmo no seu melhor, são afetados e alinhados com a elite, e estão cada dia mais distantes das preocupações da humanidade sofredora comum.
Anderson acabou de comparecer ao Festival de Cinema de Cannes, onde Asteroid City estreou, em um terno listrado. Parece apropriado.
Colaborador
Eileen Jones é crítica de cinema na Jacobin e autora de Filmsuck, EUA. Ela também apresenta um podcast chamado Filmsuck.
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