Luke Roberts
Sidecar
Em República (1995), na Victoria Miró, há cinco regadores verdes alternando com cinco tambores creme e vermelhos sobre pedestais brancos simples. Bann, em uma nota do catálogo que o acompanha, nos conta que "regador" (arrosoir) era o nome do dia do mês em que Robespierre foi guilhotinado. Ele acrescenta que os tambores são uma citação oblíqua da pintura de Jacques-Louis David do menino tocador de tambor Joseph Bara, morto pelos monarquistas em 1793. Em tom mais banal, lembrei-me do som da água pingando nas folhas das plantas, rimando com o grito da andorinha na coluna lá embaixo. Como espectadores, devemos pensar poeticamente: regadores são para as plantas o que tambores são para os soldados? Tambores são para as espadas o que regadores são para os arados? A obra é sabidamente kitsch, um pouco irritante, mas de alguma forma difícil de resistir. Assim que começa a parecer frágil demais para nossas ideias, uma nova associação põe outra linha de pensamento em movimento.
Mas então, num dia quente, saí para tentar encontrar uma encomenda de Finlay na City de Londres, An Arcadian Dream Garden, instalado nos arredores do Gherkin em 2004. Caminhei por toda a London Wall, indo para o leste, do Barbican até a Liverpool Street. A rua é pontilhada de ruínas e rapidamente fica lotada de prédios com pequenas fontes d'água e gestos de vegetação, a pastoral capitalista em grande escala. A instalação de Finlay é uma série de gravuras em bancos de mármore. As letras são elegantes, de uma cor cobre clara, precisando de um retoque aqui e ali. As inscrições são caprichosas e encantadoras: esculpidas em uma coluna baixa e quebrada em uma clareira, os numerais oo xxx ccxvil (o código de discagem para Delfos); ou – meio ilegível sob os restos da salada abandonada de alguém – Uma rosa deitada em uma rocha sob uma nuvem de tempestade. Aqui estão os jardins que virão, uma ordem imaginária mais real do que vidro e concreto falsos, uma utopia suave no lugar da alienação.
Só quando olhei ao redor é que percebi que aqueles bancos faziam parte da arquitetura de segurança do distrito financeiro, projetados para evitar um carro-bomba. Adjacente à instalação de Finlay, há um memorial às três pessoas mortas pelo bombardeio do IRA contra a Baltic Exchange em 1992, no local onde hoje se encontra o Gherkin. Assim, uma das últimas obras de Finlay constitui materialmente parte do "anel de aço" construído para reprimir a insurgência violenta no coração da cidade, renovado durante a Guerra ao Terror. O que diria Saint-Just? Meu próprio instinto me diz que a arte não consegue reter nenhum poder subversivo quando está tão subjugada às maquinações do Estado. E, no entanto, talvez a ironia e a contradição sejam tão severas, tão carentes de pathos e transcendência, que esta seja a maior obra de Finlay de todas.
Sidecar
Segundo a lenda, o artista Ian Hamilton Finlay disse certa vez que a melhor maneira de comemorar o 200º aniversário da Revolução Francesa seria realizar outra revolução. Agora, o centenário de Finlay chegou, marcado por uma série de exposições simultâneas em galerias e museus, de Edimburgo a Basileia, de Viena a Nova York. Com curadoria de sua executora e colaboradora Pia Maria Simig, elas acontecem sob o título geral Ian Hamilton Finlay: Fragments. Isso é indicativo de sua vasta gama de trabalhos em diferentes mídias e locais, incluindo poesia, escultura, trabalhos em papel, jardins e diversas encomendas públicas. É uma obra dispersa e complexa, difícil de compreender como um todo. De fato, como Finlay prosperou na ambiguidade e no antagonismo, também é possível ler Fragments como um verbo. Sua obra é controversa, gera controvérsia e divide opiniões: veja Jonathan Jones, no Guardian, denunciando sua idiotice, extremismo, grosseria, tolice, sede de sangue, delírios e superficialidade. Como reconstruiremos Finlay?
Nascido nas Bahamas, filho de pais escoceses, em 1925 – seu pai era contrabandista – Finlay foi enviado para um internato na Escócia, mas abandonou a educação formal aos 13 anos, após o investimento da família em uma fazenda de laranjas na Flórida fracassar. Uma breve passagem pela Escola de Arte de Glasgow também foi interrompida por sua matrícula no Royal Army Service Corps em 1943. Ao retornar do serviço, mudou-se para as Terras Altas do Sul, onde trabalhou como pastor e começou a escrever contos, peças e poemas. Grande parte de sua obra subsequente se desenvolve a partir dessas experiências de guerra e trabalho rural. Sua obra-prima, o jardim em Little Sparta – em Pentland Hills, onde viveu de 1966 até sua morte – coloca os dois em um difícil abraço. Realizada em parceria com sua segunda esposa, Susan Finlay, e uma série de colaboradores, a obra apresenta dezenas de gravuras e colunas neoclássicas, banheiras para pássaros em porta-aviões, homenagens a pintores paisagistas franceses e filósofos pré-socráticos, pedaços de muros de pedra seca, um lago emoldurado por um monólito de pedra negra que lembra um submarino nuclear. É um idílio de soldadinhos de chumbo, uma pastoral em guerra, repleta de melancolia, beleza e violência.
Na Victoria Miró, em Londres, há dezesseis obras em exposição, a maioria esculturas de suas últimas décadas. No lado direito do térreo, um elegante letreiro de neon diz A, E, I, O, Azul. O jogo de palavras é simples, agradável e não exige explicação imediata. Esta versão, feita com Julie Farthing, data de 1992. Mas a versão mais antiga do texto – um poema impresso – foi intitulada "As Cores das Vogais". Ali, a alusão ao soneto "Voyelles" de Rimbaud é explícita, com seu famoso verso de abertura: "A preto, E branco, I vermelho, U verde, O azul". A interpretação de Finlay situa-se em algum lugar entre a homenagem e a literalização, enquanto ele ilumina o autor de Les Illuminations. Talvez o espectador insira o "u" agora ausente, completando o trocadilho.
Mas Finlay não era, como Rimbaud, um poeta de intensidade visionária. Ele é imparcial e irônico, mesmo em seus acessos de raiva, e perfeitamente capaz de suavidade, até mesmo de monotonia. A parede oposta apresenta oito sinos de navio gravados, em uma edição múltipla também em exposição na Galeria David Nolan, em Nova York. Os textos gnômicos – que também servem como títulos – combinam características materiais e técnicas de barcos com fragmentos poéticos, filosóficos e vernaculares. Gostei especialmente do vermelho-chumbo – outono, que se refere a como o desgaste no casco de um navio expõe a tinta de base de chumbo vermelho por baixo. O outono também tem sua vermelhidão e indica o desgaste do ano que passa. Quero tocar o sino para anunciar minha grande descoberta, mas elas estão polidas com um brilho intenso – na verdade, parecem novas em folha – e não convidam a tal brincadeira.
Este é um dos desafios da era blue chip de Finlay. Em 1977, por ocasião de uma exposição na Serpentine, o historiador de arte Stephen Bann notou uma tensão na obra de Finlay. De um lado, estavam as efêmeras impressas "intratavelmente pequenas" que Finlay produziu por meio de sua Wild Hawthorn Press, centenas de exemplos de poesia concreta. De outro, o "obstáculo dos temas inconvenientemente grandes" que ele frequentemente evocava. Bann deu como exemplo os elementos: mar, céu e terra; mas as alusões de Finlay aos clássicos e à Revolução Francesa às vezes também funcionam dessa maneira. No entanto, grande parte da obra posterior, de meados da década de 1980 em diante, não é nem muito pequena nem muito grande: é, na verdade, do tamanho de uma galeria. Isso tende a silenciar algumas das virtudes de Finlay. A obra impressa, mesmo destinada a uma biblioteca de livros raros, poderia passar de mão em mão, íntima e conspiratória; as obras ao ar livre aspiram ao status de ruína, estranhamente utópicas em seu tremor temporal. Tais truques de escala e proporção são difíceis de sustentar.
Mas talvez seja sentimental da minha parte querer a obra manchada com impressões digitais ou musgo e danos causados pela água, batendo os pés para exigir mais entropia. Por mais imaculada que seja, a obra na Victoria Miro mantém a força crítica. Em frente aos sinos, há três colunas de pedra gravadas com poesia. Uma delas, usando o nome grego para andorinha (Chelidon), diz: "ΧΕΛΙΔΩΝ / gorjeio estridente / asinhas afiadas". As formas das letras percorrem a coluna e as rimas internas cantam. Numa época em que a poesia é majoritariamente marginalizada, descartável, é difícil não admirar o compromisso incansável de Finlay. Aqui estão versos dignos de cinzelar, glosas e traduções de Virgílio e Homero. Como sempre, Finlay é austero. Podemos comparar suas citações aos grafites exuberantes de seu contemporâneo Cy Twombly, onde podemos sentir a pulsação no pulso do pintor. Aqui, o artista está distante, senão totalmente ausente. É neoclassicismo em vez de romantismo.
Como se para enfatizar esse ponto, há um pedestal vazio no meio do piso, com aproximadamente a altura dos joelhos, feito de tijolo bruto e pedra Portland. De um lado está gravado "Flattop / Tombstone / Altar", do outro "A Place / For Light / To Land". Finlay nos apresenta aqui a diferença entre uso e contemplação, matéria bruta e substância lírica. O tom, como em grande parte de sua obra, é elegíaco. Talvez, no fim das contas, tudo pretenda ser efêmero, simplesmente "um lugar para a luz pousar". Essa modéstia discreta, um vislumbre do fugaz, forma uma dialética com uma das obras mais proeminentes de Little Sparta: onze grandes blocos de pedra com a inscrição de uma citação do revolucionário jacobino Saint-Just, "A Ordem Presente é a Desordem do Futuro". Quando inclinamos a cabeça, percebemos a luz pregando peças, ou o trocadilho se encaixa, é quando as rachaduras começam a aparecer.
No andar superior, as obras são dedicadas exclusivamente ao tema revolucionário francês, que passou a dominar a prática de Finlay a partir da década de 1980. Emergindo de seu compromisso estético com o neoclassicismo, Finlay adotou cada vez mais uma espécie de práxis pseudo-jacobina. O gatilho, em parte, foi uma disputa tributária: o Conselho Regional de Strathclyde queria classificar um edifício em Little Sparta como uma galeria de arte comercial, portanto sujeito a impostos comerciais. Finlay, invectivando contra a secularização da época, insistiu que se tratava de um templo de Apolo e, portanto, isento. Em sua guerra contra os burocratas e os cobradores de impostos, Finlay reinventou seus amigos e apoiadores como os "Vigilantes Santos-Justos" e produziu incessantes provocações, bajulações e ameaças sobre a campanha. Sua extrema-distância parece ter atingido o auge em meados da década de 1990, quando exibiu as cabeças decapitadas de críticos como Waldemar Januszcsak, Gwyn Headley (autor de um livro sobre loucuras arquitetônicas para o National Trust) e outros.
Finlay, que sofria de agorafobia e quase não viajou para fora de Pentland Hills por trinta anos, era um homem difícil. Parece ter exigido e, por vezes, inspirado grande lealdade, ter rompido amizades com frequência e ter sido indisposto à reconciliação. Mas também era evidentemente capaz de grande ternura e generosidade. Sua revista "Pobre. Velho. Cansado. Cavalo" (1962-67) publicou escritores de todo o mundo, desde o poeta concreto brasileiro Augusto de Campos até as primeiras traduções de Paul Celan. A Pequena Esparta – conhecida simplesmente como Caminho de Pedra durante a primeira década de sua existência – era um local de vida doméstica, família e amizade, além de ser um importante posto avançado da vanguarda rural. Inevitavelmente, a guinada jacobina de Finlay e seu entusiasmo pelo terror são escandalosos para ambos os lados, seja conservador ou radical: ele leva isso muito a sério, diz um detrator; ele não leva a sério o suficiente, diz o outro. Ele também era, inegavelmente, rebelde. Correspondeu-se com o arquiteto nazista Albert Speer sobre o jardim da prisão de Spandau e fez um trabalho escandaloso usando a insígnia da SS, ao mesmo tempo leviano e autoritário. Mas ele não pode ser simplesmente descartado como reacionário, assim como não pode ser declarado diretamente como esquerdista.
Na parede do fundo, há um relevo esculpido em pedra, Cabeça do Morto Marat (1991), baseado no desenho preparatório a bico de pena de Jacques-Louis David para sua famosa pintura. O objeto tem a altura e o tamanho de uma cabeça, e os olhos de Marat estão quase fechados. Fabricado pelo escultor Neil Talbot, é simples e bastante belo. Em Adeus a uma Ideia, T. J. Clark situa a pintura finalizada de David sobre a morte de Marat como um ponto de partida do modernismo. A pintura, escreve Clark, gira em torno da "impossibilidade da transcendência" e insiste no entrelaçamento da arte com a política. Ele relata a pompa da procissão enquanto a obra de David é apresentada ao público. Perto do Marat de Finlay, há uma litografia de uma passagem semelhante de Camille Desmoulins, acompanhando outro néon, Ici on Danse (1992). Ela examina as ruínas da Bastilha, agora povoadas por uma "madeira artificial". Ainda visível está um "baixo-relevo representando escravos que adornava apropriadamente o grande relógio da fortaleza". Essa visão de liberdade – de dançar sobre as ruínas da prisão – permanece imensamente comovente. É uma visão tanto do futuro quanto do passado.
O registro da obra posterior de Finlay é persistentemente trágico, um lembrete da incompletude da revolução de 1789, da traição da revolução de 1917, de todo o lamentável calendário. Ele se recusa – para citar Clark novamente – "a aceitar o desencanto do mundo". O arranjo de castiçais de cerâmica sobre bancos, 12/1794 (1994), cada um com o nome de um membro do Comitê de Segurança Pública, é particularmente fantasmagórico. As velas não são acesas, assim como os tambores não são tocados e os sinos não são tocados. Mesmo que Finlay encontre dezenas de maneiras de combinar e recombinar seus slogans e motivos, há uma espécie de estagnação em ação. O que ele nos oferece são objetos de melancolia revolucionária.
Finlay faleceu em 2006. Ele é reconhecido, hoje, como um dos principais proponentes e inovadores da poesia concreta, um dos grandes jardineiros do século XX e um dos artistas escoceses mais importantes de sua geração. O jardim em Little Sparta – onde Finlay acabou se tornando um pouco como o Tio Toby em Tristram Shandy, cavando suas trincheiras e reencenando batalhas – está aberto à visitação na primavera e no verão. É tão surpreendentemente original e estranho que pode fazer com que o restante de sua obra pareça um material auxiliar, um material cotidiano necessário apenas para sustentar o esplendor descontrolado. Mas isso é injusto. Vale a pena refletir sobre todos os fragmentos do universo poético de Finlay, pedaço por pedaço.
Eu planejava encerrar recorrendo a uma fábula de artista recontada por Philip Guston. Em uma palestra de 1974, ele discute os murais do Edifício Seagram de Mark Rothko e diz que eles eram destinados a uma sala de diretoria executiva (ele se engana: era o restaurante do prédio). De acordo com Guston, Rothko "iria fazê-los tremer de verdade, com esses grandes murais escuros, realmente dar tudo de si". A escala sombria da obra seria sentida como opressiva pelos empresários da Park Avenue, arruinando seus dias. Mas Guston teria adotado uma abordagem diferente: "Meu jeito seria fazer esses murais tão profundamente no subsolo que, quando fossem colocados, ninguém os veria, mas o prédio inteiro simplesmente ruiria". Aqui, quanto mais a arte se afasta do comércio e das métricas comuns de sucesso, mais poderosa ela se torna. Poderíamos chamar as atitudes contrastantes de Rothko e Guston de reforma ou revolução, girondinos e jacobinos.
Mas então, num dia quente, saí para tentar encontrar uma encomenda de Finlay na City de Londres, An Arcadian Dream Garden, instalado nos arredores do Gherkin em 2004. Caminhei por toda a London Wall, indo para o leste, do Barbican até a Liverpool Street. A rua é pontilhada de ruínas e rapidamente fica lotada de prédios com pequenas fontes d'água e gestos de vegetação, a pastoral capitalista em grande escala. A instalação de Finlay é uma série de gravuras em bancos de mármore. As letras são elegantes, de uma cor cobre clara, precisando de um retoque aqui e ali. As inscrições são caprichosas e encantadoras: esculpidas em uma coluna baixa e quebrada em uma clareira, os numerais oo xxx ccxvil (o código de discagem para Delfos); ou – meio ilegível sob os restos da salada abandonada de alguém – Uma rosa deitada em uma rocha sob uma nuvem de tempestade. Aqui estão os jardins que virão, uma ordem imaginária mais real do que vidro e concreto falsos, uma utopia suave no lugar da alienação.
Só quando olhei ao redor é que percebi que aqueles bancos faziam parte da arquitetura de segurança do distrito financeiro, projetados para evitar um carro-bomba. Adjacente à instalação de Finlay, há um memorial às três pessoas mortas pelo bombardeio do IRA contra a Baltic Exchange em 1992, no local onde hoje se encontra o Gherkin. Assim, uma das últimas obras de Finlay constitui materialmente parte do "anel de aço" construído para reprimir a insurgência violenta no coração da cidade, renovado durante a Guerra ao Terror. O que diria Saint-Just? Meu próprio instinto me diz que a arte não consegue reter nenhum poder subversivo quando está tão subjugada às maquinações do Estado. E, no entanto, talvez a ironia e a contradição sejam tão severas, tão carentes de pathos e transcendência, que esta seja a maior obra de Finlay de todas.